《哈利波特與被詛咒的孩子》：續作與粉絲的對話，延續經典還是情懷優先？

「19年後」，我買了一張舞台劇前排票，來到倫敦西區的皇宮劇院。這座劇院建於1891年，如今稍作改造，在暫時可見的未來只會上演一部戲。劇場門口有大型一個雕塑：金色飛賊／金探子狀的鳥巢中，躲著一個男孩。雕塑下映著發光的話劇標題，供觀眾合照。我身邊的觀眾來自各個年齡層，有一家老小，有中年夫妻，有孩童，有人身著霍格沃茨／霍格華茲校袍，圍著各個學院的圍巾。這座戲院已經是哈利波特的專屬戲院。

這像是來自11年前的約定，全世界熱銷的幻想文學《哈利波特》系列小說發佈了最後一本。據小說時間線，全書結尾一幕，則是最後一戰19年後的9月1日，長大後的主角們送孩子上學，從國王十字車站乘車前往魔法學校。最後一戰「霍格沃茨／霍格華茲保衛戰」，發生於1998年，以此推算，送孩子上學理應發生在2017年9月1日。

對於我，一個《哈利波特》迷來說，2017年是現實與魔幻交錯的一年。在現實世界的2017年9月1日當天，英國國王十字車站被來自全世界的無數粉絲擠滿，他們穿著魔法袍，一起送哈利的小兒子上學。消費集體回憶的生意，大概在「集體回憶」這個概念在19世紀被提出時就誕生了；而在信息爆炸時代，集體回憶的威力被放大了數倍，無死角四面轟炸消費者。我們的童年被冠以「懷舊」「情懷」之名遍地熱賣，影視作品中填滿了八九十年代流行文化元素博君一笑。而哈利波特19年後的話劇，就在這個背景下誕生。2016年，舞台劇《哈利波特與被詛咒的孩子》問世，講述哈利小兒子的冒險故事。

話劇誕生以來，討論不斷。一開始原作者JK羅琳的名字赫然排在作者第三位，似乎已經宣告天下，本劇風格會有所不同；劇本問世後，故事質量又受到世界讀者的批評；演員定角時，大膽啟用黑人演員出演女主角赫敏／妙麗，也引起不少爭議。這一切，都沒有阻止舞台劇在2016年就把2017年整年的票賣光了。幸好英國朋友教我，每一個月，官網都會最後放些當月票，如果運氣好的話，你還可以碰到一些好座位以比正價便宜得多的低價出售。我得以親身到劇情與哈利父子重逢。

劇場的工作人員身穿霍格沃茨／霍格華茲校服，舞台、墻壁、各種裝置也全配合劇情而設。話劇足足5個小時，分成兩半演出，比如白天看上半場，晚上看下半場；或第一晚看上半場，第二晚看下半場。我是分兩晚看的，第一夜看完出來，售貨攤賣的全是舞台劇周邊，T恤、鋼筆等；而第二夜看完出來後，我發現商品全變了，因應下半場劇情的發展，成了跟下半場劇情有關的東西。

在倫敦，分別參觀哈利波特華納兄弟影城、國王十字車站9¾月台、皇宮劇院後，你會發現，每個地方賣的周邊產品都有些不一樣；3年前，上海辦過一個哈利波特電影道具臨時展，甚至那個展覽禮品店賣的周邊，也有些不一樣。有些商品，只能在固定地點才可以買到。這些細節都可見，作為全球最大的IP（Intellectual property，即知識產權）之一，《哈利波特》系列的商業化已經做到了極致。

這一齣舞台劇，明顯也是商業化的一部分。在觀劇前我讀了劇本，因而期待值已放得很低。

（以下含極少量劇透）

劇情走向非常簡單，用父子關係指代成長陣痛，直接得如同把弗洛伊德套進喻體：小波特與父親生隙，並分道揚鑣（離家出走，開始冒險）——完成弒父（回到過去導致父親的消失，從而自己也消失了）——與父親和解並且打敗了真正的怪物。

而劇本為人詬病的地方，恰恰是為了那些因討好觀眾而加入的懷舊元素所作出的犧牲。

在幻想類文學創作中，「時間旅行」是一個需要謹慎使用的元素，因為這個設定可能對換線有重大影響，甚至直接挑戰故事邏輯。

某角色死了？回到過去救他；某件事失敗了？回到過去改變它。只要能夠回到過去，那麼所有情節都可以通過改變過去推進。

因而在科幻、魔幻創作界，對真正嚴肅的作者來說，時間旅行能力從來都需要被小心對待。

哈利波特系列僅在第三部使用過「時間轉換器」推進劇情，並且對其使用有嚴格限制；最終在第五部一場戰鬥中，所有時間轉換器被全部銷毀。作者羅琳後來提到，這樣做的原因是這個儀器的存在可能會影響劇情發展。

而舞台劇中，為了讓觀眾回顧經典場景、甚至與受歡迎的死去角色重逢，時間轉換器輕易「復活」。

而那些讀者懷念的角色，又很明顯是被召喚回來滿足大眾需求的。原著的文筆本來充滿八九十年代特點：大量環境、心理描寫，不急於推進劇情。哪怕嚴肅文學界批評它文筆太差，如今讀來已有點復古。

話劇需要在5小時內講完幾年的情節推進、心理成長，顯得一路追趕。為盡快激化矛盾，一些情節推進得不太合理，部分角色甚至脫離原版個性：中年哈利變得專橫獨斷，特首赫敏／妙麗似乎是個不太成功的高官，而伏地魔甚至和女愛將生了個孩子——光是伏地魔有性行為這件事，已經讓原著書迷大跌眼鏡。

（劇透完畢）

另一個爭議部分，則是劇本討好「CP黨」的「發糖」情節。「CP」（Character pairing，角色配對）是現代一個次文化現象。文藝作品擁有一定粉絲群後，就會有大量圍繞著角色情感關係的想象在粉絲群中衍生。當讀者的想象與作者的安排不一致時，讀者就自發形成了各種「CP黨」。

例如認為哈利和赫敏／妙麗該在一起的「哈赫黨」，馬爾福／馬份和赫敏／妙麗該在一起的「德赫黨」。而隨著2000年代「基腐」文化在次文化界流行，希望哈利和馬爾福／馬份在一起的「德哈」黨也出現了。「發糖」是CP文化中的語言，指官方內容中出現了該兩角色較親密互動的情節，令喜歡這個配對的群體如同被發了喜糖。這是一個世界現象：全球各地，都有大批哈利波特同人作品在不同「黨派」中誕生。但在原著出版這8年，無論坊間呼聲多高，作者的故事走向並未受影響。CP文化此時只是粉絲群體的自娛自樂。

而在話劇中，我們看到了對粉絲文化的積極回應。哈利的兒子和馬爾福／馬份的兒子在劇中大秀 bromance（基情），大量語帶雙關、近乎表白的擦邊球對白，準確刺激腐女受眾的神經；哈利與馬爾福／馬份大打一架又互相剖白，甚至馬爾福／馬份與赫敏／妙麗都會有一兩句火花四射的對話，而你在一旁讀到書迷的評論：「德赫黨一本滿足！」

這些角色互動處理得速食又方便，最終毀譽參半：CP黨在其中汲取養分，另一些書迷則批評角色風格脫離原版——畢竟CP黨能誕生，前提是那兩人在原著中沒有在一起。

八九十年代的寫作，顯然不會這麼即時、熱烈地對於網絡需求作出反饋。而在社交網絡時代，創作者和反饋者的交流幾乎平行，反饋聲大得前所未有，創作者總會不由自主地傾向寫出滿足對方需求的作品，尤其當誘因實實在在的時候。

面對全球潛在消費者，是創作者在「發糖」，還是資本運作在「發糖」，我們已傻傻分不清楚。

不，不要以為你的觀劇體驗會很糟糕。恰恰相反，如果你是哈利波特迷，又對劇情略感失望，舞台效果可能會讓你超出預期。這也是為什麼你最終要走進劇場。

首先，舞台呈現和演員表演都美輪美奐。舞台場景基本放棄具象表現，而選擇了兩種具代表性的物品，完成場景的搭建和轉換：長樓梯和行李箱推車。

不停移動的長樓梯，是魔法學校通往未知的一個特點，行李箱推車則是每個學生必備的出發行囊。

在劇場中，場景與場景的轉換間，演員一邊舞蹈，一邊推動長梯，移動行李箱，搭建出各種場景：長梯放平，夾在箱子上，組成了列車車頂；行李箱在地上堆砌擺放，組成了教室桌椅；幾架長梯頂部聚攏，赫敏／妙麗站在頂端，其他人在下面仰望，就成了亂哄哄的魔法部會議現場。

長梯和箱子的移動，用來表現角色的情感互動：角色出現猜疑、爭吵時，演員分別在兩架梯子的上下奔走，而其他演員在下方有規律地推動梯子，合著背景音樂，組成了靠近又遠離的互動效果。

你還會看到目前水平最高的舞台魔術之一。哈利波特是魔法故事，奇妙的魔法離開了數碼特技後如何視覺呈現，這個問題我在帷幕拉開之前都不曾想過。

而頭幾幕就已經把我震住了：車站的學生和家長們要穿過月台墻壁，撞進魔法世界。我看到演員在舞台深處，面向觀眾，橫站一排，推著手推車跑來，霎時一愣，傻傻地想，怎麼難道他們準備衝向觀眾席嗎？結果跑到舞台中間時，所有演員同時鬆開手推車轉了個圈，一秒鐘的功夫，身上的衣服全部從便服變成了魔法長袍，而手中似乎也多了魔杖。

天啊。那一刻我意識到自己回到了魔法世界。會放出火花的魔杖已算不了什麼，在通往魔法部的電話亭中，公務員真的打了個電話就活活消失在你面前；在恐怖的時刻，攝魂怪騰空而起向你飛來，而守護神在黑暗中閃現。

演員對角色的重新演繹也令人耳目一新：中年羅恩／榮恩更強調了喜劇色彩，黑人赫敏／妙麗表現奪目，顯得更強勢果斷，金妮性格立體了不少，幾個「哈二代」表現討人喜歡，而麥格／麥教授甚至有了一種新的口音。

最重要的是，哪怕知道是套路，粉絲們依然願意看到自己喜愛的角色在眼前重現。依然是熟悉的學院，依然是熟悉的小夥伴，依然是熟悉的愛與冒險、魔法世界。

每一個在閱讀劇本時哪怕覺得略顯刻意的動情點，都在演員和舞台的烘托下釋放出完美的感染力，只要你是這份集體回憶的共享者，無論你有多理性，你都會在那一刻重溫那份滿足。他們可以把斯內普／石內卜復活一萬次，說那一句深情的經典台詞「always」，粉絲會熱淚盈眶一萬次，雷鳴般的掌聲一萬次，哪怕知道是套路。

作為高價出售的精緻童年回憶，哈利波特系列舞台劇大概已經做得夠好，可惜書迷對它的期待不止如此，舞台表現無可指摘。

所有批評最終還是回到故事情節上，因為當它被官方蓋章認證時，它就成了整個哈利波特世界的一部份了。2000年代哈利波特系列改編電影全球大熱時，文學和影視曾經互相成就。小說通過電影打出全球知名度，而電影的幾個童星也走進觀眾眼簾。

隨之而來的，是當中主要角色與電影演員面孔在觀眾認知中的相互綁定。電影結束後，我們看到演員試圖與電影角色形象脫離：Emma Watson 剪了一頭短髮，Daniel Radcliffe 挑戰了反派、同性戀，甚至去演一具尸體。

而近年作品同樣試圖與演員的面孔解綁：倘若你留意哈利波特系列的官方網站、社交媒體，就會發現近年發佈的內容，電影演員的影像略有減少，轉而選擇不同風格的繪畫。啟用黑人演員，除了回應演藝界的平等思潮，恐怕也有打破舊演員與角色聯繫的考慮。在這背後，我們目睹的可能是在資本運作時代，「流行」幻想作品如何步入「經典」的大型操作現場。

事實上，無論在文學界受到多少「過於通俗」詬病，從未來可見的文化影響看，哈利波特系列基本已「封聖」，進入經典幻想文學殿堂。這時品牌運作者的考慮，大概是如何讓作品永續流傳，影響不止一代讀者。倘若要讓作品永遠流傳，肯定不能把角色面孔固定在幾個演員身上。

文字作品在作者擲筆的一刻就靜止了，不可能順著時代變換模樣，不可能要求安徒生重寫當代醜小鴨，只能寄望作品本身有超越時空的光芒。

魔幻、科幻創作的一大成就，是超脫單一故事，構建一個架空世界，在其中可以產生無數故事。大眾熟知的魔戒，龍槍世界，星戰，碟形世界等經典作品，均屬這種模式；美式超人漫畫也以這種方式創作；而中國的幻想作者也曾嘗試過建立一個朝代、生物均十分細緻的「九州大陸」。

架空世界讓幻想作品的生命力永不停息。而從商業角度，永續的世界意味著新角色，新劇情，也意味著永續消費。這也是美式漫畫為什麼經久不衰。而羅琳以一人之力，正在逐漸把哈利波特從一個故事，變成一個架空世界。同時她面臨著一個前所未有的，創作多元、資本運作經典的機會。

最重要的是，她還活著：哈利波特的故事完結了不要緊，他兒子的故事可以繼續。上代人的糾葛可以拍成五部電影《神奇生物在哪裡》／《怪獸與牠們的產地》。pottermore 網站也在繼續細化這個架空魔法世界的結構。為了豐富《神奇生物》／《怪獸產地》系列的故事背景，羅琳在網站上撰寫設定文章《北美魔法史》。但當中對印第安魔法的想象，卻被指責涉嫌刻板印象甚至歧視。

創作年代不同了，輿論也在給這個架空世界迅速反饋。這是一個和現實不停發生關係的幻想世界。除了繼續創作，影城展覽、主題遊樂園、周邊產品也可以繼續帶來收入，繁衍不息，哈利波特子子孫孫無窮匱也。聽起來好像赤裸裸血淋淋，實際上對於讀者、對於未來的兒童文學受眾，可能都不是壞事。

有可能是壞事的，大概是舞台劇本的尷尬：你是想回應集體情懷，拋出一些討好的元素滿足如今的觀眾足矣，還是想以足夠的水平，成為這個經典版圖的一部分？

我們長大了，舞台上的哈利貌似也長大了，而哈利的故事可曾一齊長大呢？