特約撰稿人 汪正翔 發自台北
汪正翔，台灣當代攝影家，以攝影為媒材，主要探究觀念藝術之後，攝影與藝術之關係。 現從事攝影教學、評論與創作。
我常常偷聽藏家在說「藝術就是要源自生活」、「這個技法非常的強烈」，「我覺得這背後讓人觸動」。藝廊跟觀眾介紹也是如此⋯⋯
第四屆台北當代藝術博覽會剛在週日落幕，身為拍過三屆台北當代的攝影師，每次前去拍攝，我基本上都蠻開心的——畢竟可以看到很多書本中的經典大師。但是頭幾年拍台北當代，我還是有一種身在異地的感覺，或許是因為這些高價的作品跟我的生活階層距離太遙遠了。不只是作品價格問題，還包括人們的衣著。我記得每次要去拍照，我都思考自己到底要怎麼穿，才不會看起來像是一個很低階層的人。
另外一個原因是，我平常關心的藝術，在這裡並不重要，我只是一個龐大體系當中的一個環節，就跟那些在門口舉牌引導觀眾入場的人一樣。不過拍到今年，我可以比較平靜地看待這一切了。我發現台北當代有一些變化，這或許也可以解釋我心境的轉變。
1.觀念攝影絕跡
最後能夠在藝博出現的，仍然是在畫面上直觀可以感受張力的作品，而致力於去除作品體驗的觀念攝影與行為，就幾乎在藝術博覽會之中絕跡。
第一個感覺是觀念藝術、攝影、錄像越來越少。我記得2019年第一屆台北當代，讓從事觀念攝影的我覺得我的時代要來了。因為現場非常多前衛的攝影、錄像作品，譬如白南準、Thomas Ruff、Andreas Gursky、Thomas Demand等人。還有ㄧ些早期現代主義攝影的經典之作，譬如Robert Mapplethorpe，雖然沒有那麼觀念，但是目睹真跡還是非常的振奮。另外有一些則是針對台灣口味的日本攝影大師，如杉本博司、荒木經惟。
但是到了最近今年這次台北當代，除了Wolfgang Tillmans仍然一支獨秀之外，Thomas Ruff的作品變成小小幾張。除此之外就沒有什麼前衛攝影大師的作品。這並不一定是攝影沒有市場的緣故，而是觀念藝術攝影沒有市場。致使最後能夠在藝博出現的，仍然是在畫面上直觀可以感受張力的作品，而致力於去除作品體驗的觀念攝影與行為，就幾乎在藝術博覽會之中絕跡。
2.繪畫仍是主流
相應於行為、錄像、裝置的減少，就是繪畫作品越來越多。作為一個不懂繪畫的創作者，我只能提出一些粗略的觀察，譬如大藝廊多推出抽象表現主義的繪畫，某種程度不免落入了「殭屍形式」（Zombie Formalism）——一種偽裝先鋒實則迎合大眾的抽象繪畫。它的特徵就是包含了大眾理解的現代藝術風格，譬如極簡主義、色域繪畫、物派、新表現主義，好像現代繪畫的輝煌時代還沒有過去。但是相比於他們的前輩，這些作品並沒有強烈的意見，因此非常適合放在豪宅的客廳。
小藝廊則偏好壞繪畫（bad painting，運用塗鴉技法、素人風格、混合多種材質）或是普普風的繪畫。但是它們並沒像是後現代藝術那樣強調建構的痕跡，使得作品具有一種虛假感（暗示權力的運做）。相反的，這些凌亂的筆觸、幼稚的圖形仍然讓人覺得和諧。至於書本上所描述當代藝術之中具象繪畫的復興，在藝博現場顯然看不出來。