《哈利波特与被诅咒的孩子》：续作与粉丝的对话，延续经典还是情怀优先？

“19年后”，我买了一张舞台剧前排票，来到伦敦西区的皇宫剧院。这座剧院建于1891年，如今稍作改造，在暂时可见的未来只会上演一部戏。剧场门口有大型一个雕塑：金色飞贼／金探子状的鸟巢中，躲着一个男孩。雕塑下映着发光的话剧标题，供观众合照。我身边的观众来自各个年龄层，有一家老小，有中年夫妻，有孩童，有人身着霍格沃茨／霍格华兹校袍，围着各个学院的围巾。这座戏院已经是哈利波特的专属戏院。

这像是来自11年前的约定，全世界热销的幻想文学《哈利波特》系列小说发布了最后一本。据小说时间线，全书结尾一幕，则是最后一战19年后的9月1日，长大后的主角们送孩子上学，从国王十字车站乘车前往魔法学校。最后一战“霍格沃茨／霍格华兹保卫战”，发生于1998年，以此推算，送孩子上学理应发生在2017年9月1日。

对于我，一个《哈利波特》迷来说，2017年是现实与魔幻交错的一年。在现实世界的2017年9月1日当天，英国国王十字车站被来自全世界的无数粉丝挤满，他们穿着魔法袍，一起送哈利的小儿子上学。消费集体回忆的生意，大概在“集体回忆”这个概念在19世纪被提出时就诞生了；而在信息爆炸时代，集体回忆的威力被放大了数倍，无死角四面轰炸消费者。我们的童年被冠以“怀旧”“情怀”之名遍地热卖，影视作品中填满了八九十年代流行文化元素博君一笑。而哈利波特19年后的话剧，就在这个背景下诞生。2016年，舞台剧《哈利波特与被诅咒的孩子》问世，讲述哈利小儿子的冒险故事。

话剧诞生以来，讨论不断。一开始原作者JK罗琳的名字赫然排在作者第三位，似乎已经宣告天下，本剧风格会有所不同；剧本问世后，故事质量又受到世界读者的批评；演员定角时，大胆启用黑人演员出演女主角赫敏／妙丽，也引起不少争议。这一切，都没有阻止舞台剧在2016年就把2017年整年的票卖光了。幸好英国朋友教我，每一个月，官网都会最后放些当月票，如果运气好的话，你还可以碰到一些好座位以比正价便宜得多的低价出售。我得以亲身到剧情与哈利父子重逢。

剧场的工作人员身穿霍格沃茨／霍格华兹校服，舞台、墙壁、各种装置也全配合剧情而设。话剧足足5个小时，分成两半演出，比如白天看上半场，晚上看下半场；或第一晚看上半场，第二晚看下半场。我是分两晚看的，第一夜看完出来，售货摊卖的全是舞台剧周边，T恤、钢笔等；而第二夜看完出来后，我发现商品全变了，因应下半场剧情的发展，成了跟下半场剧情有关的东西。

在伦敦，分别参观哈利波特华纳兄弟影城、国王十字车站9¾月台、皇宫剧院后，你会发现，每个地方卖的周边产品都有些不一样；3年前，上海办过一个哈利波特电影道具临时展，甚至那个展览礼品店卖的周边，也有些不一样。有些商品，只能在固定地点才可以买到。这些细节都可见，作为全球最大的IP（Intellectual property，即知识产权）之一，《哈利波特》系列的商业化已经做到了极致。

这一出舞台剧，明显也是商业化的一部分。在观剧前我读了剧本，因而期待值已放得很低。

（以下含极少量剧透）

剧情走向非常简单，用父子关系指代成长阵痛，直接得如同把弗洛伊德套进喻体：小波特与父亲生隙，并分道扬镳（离家出走，开始冒险）——完成弑父（回到过去导致父亲的消失，从而自己也消失了）——与父亲和解并且打败了真正的怪物。

而剧本为人诟病的地方，恰恰是为了那些因讨好观众而加入的怀旧元素所作出的牺牲。

在幻想类文学创作中，“时间旅行”是一个需要谨慎使用的元素，因为这个设定可能对换线有重大影响，甚至直接挑战故事逻辑。

某角色死了？回到过去救他；某件事失败了？回到过去改变它。只要能够回到过去，那么所有情节都可以通过改变过去推进。

因而在科幻、魔幻创作界，对真正严肃的作者来说，时间旅行能力从来都需要被小心对待。

哈利波特系列仅在第三部使用过“时间转换器”推进剧情，并且对其使用有严格限制；最终在第五部一场战斗中，所有时间转换器被全部销毁。作者罗琳后来提到，这样做的原因是这个仪器的存在可能会影响剧情发展。

而舞台剧中，为了让观众回顾经典场景、甚至与受欢迎的死去角色重逢，时间转换器轻易“复活”。

而那些读者怀念的角色，又很明显是被召唤回来满足大众需求的。原著的文笔本来充满八九十年代特点：大量环境、心理描写，不急于推进剧情。哪怕严肃文学界批评它文笔太差，如今读来已有点复古。

话剧需要在5小时内讲完几年的情节推进、心理成长，显得一路追赶。为尽快激化矛盾，一些情节推进得不太合理，部分角色甚至脱离原版个性：中年哈利变得专横独断，特首赫敏／妙丽似乎是个不太成功的高官，而伏地魔甚至和女爱将生了个孩子——光是伏地魔有性行为这件事，已经让原著书迷大跌眼镜。

（剧透完毕）

另一个争议部分，则是剧本讨好“CP党”的“发糖”情节。“CP”（Character pairing，角色配对）是现代一个次文化现象。文艺作品拥有一定粉丝群后，就会有大量围绕着角色情感关系的想象在粉丝群中衍生。当读者的想象与作者的安排不一致时，读者就自发形成了各种“CP党”。

例如认为哈利和赫敏／妙丽该在一起的“哈赫党”，马尔福／马份和赫敏／妙丽该在一起的“德赫党”。而随着2000年代“基腐”文化在次文化界流行，希望哈利和马尔福／马份在一起的“德哈”党也出现了。“发糖”是CP文化中的语言，指官方内容中出现了该两角色较亲密互动的情节，令喜欢这个配对的群体如同被发了喜糖。这是一个世界现象：全球各地，都有大批哈利波特同人作品在不同“党派”中诞生。但在原著出版这8年，无论坊间呼声多高，作者的故事走向并未受影响。CP文化此时只是粉丝群体的自娱自乐。

而在话剧中，我们看到了对粉丝文化的积极回应。哈利的儿子和马尔福／马份的儿子在剧中大秀 bromance（基情），大量语带双关、近乎表白的擦边球对白，准确刺激腐女受众的神经；哈利与马尔福／马份大打一架又互相剖白，甚至马尔福／马份与赫敏／妙丽都会有一两句火花四射的对话，而你在一旁读到书迷的评论：“德赫党一本满足！”

这些角色互动处理得速食又方便，最终毁誉参半：CP党在其中汲取养分，另一些书迷则批评角色风格脱离原版——毕竟CP党能诞生，前提是那两人在原著中没有在一起。

八九十年代的写作，显然不会这么即时、热烈地对于网络需求作出反馈。而在社交网络时代，创作者和反馈者的交流几乎平行，反馈声大得前所未有，创作者总会不由自主地倾向写出满足对方需求的作品，尤其当诱因实实在在的时候。

面对全球潜在消费者，是创作者在“发糖”，还是资本运作在“发糖”，我们已傻傻分不清楚。

不，不要以为你的观剧体验会很糟糕。恰恰相反，如果你是哈利波特迷，又对剧情略感失望，舞台效果可能会让你超出预期。这也是为什么你最终要走进剧场。

首先，舞台呈现和演员表演都美轮美奂。舞台场景基本放弃具象表现，而选择了两种具代表性的物品，完成场景的搭建和转换：长楼梯和行李箱推车。

不停移动的长楼梯，是魔法学校通往未知的一个特点，行李箱推车则是每个学生必备的出发行囊。

在剧场中，场景与场景的转换间，演员一边舞蹈，一边推动长梯，移动行李箱，搭建出各种场景：长梯放平，夹在箱子上，组成了列车车顶；行李箱在地上堆砌摆放，组成了教室桌椅；几架长梯顶部聚拢，赫敏／妙丽站在顶端，其他人在下面仰望，就成了乱哄哄的魔法部会议现场。

长梯和箱子的移动，用来表现角色的情感互动：角色出现猜疑、争吵时，演员分别在两架梯子的上下奔走，而其他演员在下方有规律地推动梯子，合著背景音乐，组成了靠近又远离的互动效果。

你还会看到目前水平最高的舞台魔术之一。哈利波特是魔法故事，奇妙的魔法离开了数码特技后如何视觉呈现，这个问题我在帷幕拉开之前都不曾想过。

而头几幕就已经把我震住了：车站的学生和家长们要穿过月台墙壁，撞进魔法世界。我看到演员在舞台深处，面向观众，横站一排，推着手推车跑来，霎时一愣，傻傻地想，怎么难道他们准备冲向观众席吗？结果跑到舞台中间时，所有演员同时松开手推车转了个圈，一秒钟的功夫，身上的衣服全部从便服变成了魔法长袍，而手中似乎也多了魔杖。

天啊。那一刻我意识到自己回到了魔法世界。会放出火花的魔杖已算不了什么，在通往魔法部的电话亭中，公务员真的打了个电话就活活消失在你面前；在恐怖的时刻，摄魂怪腾空而起向你飞来，而守护神在黑暗中闪现。

演员对角色的重新演绎也令人耳目一新：中年罗恩／荣恩更强调了喜剧色彩，黑人赫敏／妙丽表现夺目，显得更强势果断，金妮性格立体了不少，几个“哈二代”表现讨人喜欢，而麦格／麦教授甚至有了一种新的口音。

最重要的是，哪怕知道是套路，粉丝们依然愿意看到自己喜爱的角色在眼前重现。依然是熟悉的学院，依然是熟悉的小伙伴，依然是熟悉的爱与冒险、魔法世界。

每一个在阅读剧本时哪怕觉得略显刻意的动情点，都在演员和舞台的烘托下释放出完美的感染力，只要你是这份集体回忆的共享者，无论你有多理性，你都会在那一刻重温那份满足。他们可以把斯内普／石内卜复活一万次，说那一句深情的经典台词“always”，粉丝会热泪盈眶一万次，雷鸣般的掌声一万次，哪怕知道是套路。

作为高价出售的精致童年回忆，哈利波特系列舞台剧大概已经做得够好，可惜书迷对它的期待不止如此，舞台表现无可指摘。

所有批评最终还是回到故事情节上，因为当它被官方盖章认证时，它就成了整个哈利波特世界的一部份了。2000年代哈利波特系列改编电影全球大热时，文学和影视曾经互相成就。小说通过电影打出全球知名度，而电影的几个童星也走进观众眼帘。

随之而来的，是当中主要角色与电影演员面孔在观众认知中的相互绑定。电影结束后，我们看到演员试图与电影角色形象脱离：Emma Watson 剪了一头短发，Daniel Radcliffe 挑战了反派、同性恋，甚至去演一具尸体。

而近年作品同样试图与演员的面孔解绑：倘若你留意哈利波特系列的官方网站、社交媒体，就会发现近年发布的内容，电影演员的影像略有减少，转而选择不同风格的绘画。启用黑人演员，除了回应演艺界的平等思潮，恐怕也有打破旧演员与角色联系的考虑。在这背后，我们目睹的可能是在资本运作时代，“流行”幻想作品如何步入“经典”的大型操作现场。

事实上，无论在文学界受到多少“过于通俗”诟病，从未来可见的文化影响看，哈利波特系列基本已“封圣”，进入经典幻想文学殿堂。这时品牌运作者的考虑，大概是如何让作品永续流传，影响不止一代读者。倘若要让作品永远流传，肯定不能把角色面孔固定在几个演员身上。

文字作品在作者掷笔的一刻就静止了，不可能顺着时代变换模样，不可能要求安徒生重写当代丑小鸭，只能寄望作品本身有超越时空的光芒。

魔幻、科幻创作的一大成就，是超脱单一故事，构建一个架空世界，在其中可以产生无数故事。大众熟知的魔戒，龙枪世界，星战，碟形世界等经典作品，均属这种模式；美式超人漫画也以这种方式创作；而中国的幻想作者也曾尝试过建立一个朝代、生物均十分细致的“九州大陆”。

架空世界让幻想作品的生命力永不停息。而从商业角度，永续的世界意味着新角色，新剧情，也意味着永续消费。这也是美式漫画为什么经久不衰。而罗琳以一人之力，正在逐渐把哈利波特从一个故事，变成一个架空世界。同时她面临着一个前所未有的，创作多元、资本运作经典的机会。

最重要的是，她还活着：哈利波特的故事完结了不要紧，他儿子的故事可以继续。上代人的纠葛可以拍成五部电影《神奇生物在哪里》／《怪兽与牠们的产地》。pottermore 网站也在继续细化这个架空魔法世界的结构。为了丰富《神奇生物》／《怪兽产地》系列的故事背景，罗琳在网站上撰写设定文章《北美魔法史》。但当中对印第安魔法的想象，却被指责涉嫌刻板印象甚至歧视。

创作年代不同了，舆论也在给这个架空世界迅速反馈。这是一个和现实不停发生关系的幻想世界。除了继续创作，影城展览、主题游乐园、周边产品也可以继续带来收入，繁衍不息，哈利波特子子孙孙无穷匮也。听起来好像赤裸裸血淋淋，实际上对于读者、对于未来的儿童文学受众，可能都不是坏事。

有可能是坏事的，大概是舞台剧本的尴尬：你是想回应集体情怀，抛出一些讨好的元素满足如今的观众足矣，还是想以足够的水平，成为这个经典版图的一部分？

我们长大了，舞台上的哈利貌似也长大了，而哈利的故事可曾一齐长大呢？